氣勢磅礡的 全景 、富戲劇性的 中景 、精细入微的 特寫 ……一部電影該在什麼時機，什麼樣的因素？來選擇合適的 鏡頭語言 ，呈現給觀眾呢？如果描述的技巧不當，會讓觀眾的注意力渙散，甚至昏昏欲睡，在你清醒的同時，也是戲院散場之時，而這部片演了些什麼，也說不上來。在步出電影院之際，常會聽到有些人說「花錢，來看爛片的~」，為了降低這個情節的發生，下面要來和大家聊聊不同的鏡頭距離與主題數量的變化，對電影的故事走向中有何決定性的影響，希望大家看完這個之後，可以在觀影時先洞悉一些先機囉！
距離產生美，人生與電影亦如是
「距」是用來表達兩物之間相隔的遠近，用電影語言來解釋「距離」二字，大致可以分為三種。單就以物質形式來說明，指的是時間距離與空間距離，時間流逝的早與晚、快與慢、長與短，若單一鏡頭的時間愈長，畫面會愈顯得深沈，時間愈短節奏愈明快；若談空間距離，則是遠與近，天與地，室內室外等，用肉眼與尺規都得以量測的。
若以非物質形式來說，則是心理距離，親密或疏遠，生死離別。人與人之間靠太近會覺受侵犯，但太遠又感到孤單，表達心理的空間看似無形，但卻是攝影創作的靈魂。所以談到電影的攝影距離，通常並不是指單純的「站在原地」用變焦鏡頭在那Zoom in或Zoom Out感覺拍的美美就大功告成了。往往還要思考，如何掌握有形與無形的距離分寸，傳達給觀眾畫面中所蘊含的情感。
攝影機與被攝體的距離不同，造就主體在螢幕畫面中所呈現出的範圍大小區別，一般可分為五種，由遠至近分別為遠景、全景、中景、近景及特寫。若有心觀察早期的電影，會發現攝影機距離變化並不多，在1918年前甚至還沒有「特寫鏡頭」的出現。
▲大衛·格里菲斯（D.W Griffith）的作品。第一位在電影上使用特寫鏡頭的導演，大膽的鏡頭開創手法也被譽為美國電影之父，著名作品有《一個國家的誕生》。
初期的電影攝影，不少只是圍繞在攝影機身邊活動或跳舞，沒有風格沒有主題，看到什麼，就拍什麼，單純覺得活動的影像很新奇。進入有聲電影初期，為了能清楚的收音，攝影機也固定著無法像現今隨意移動，能夠自由自在的拉遠拉近拍攝，這中間真不知花費多少人的心酸血淚，才造就現今歷史性改革，也灌溉出豐富多變的電影語言，或許你也將成為下一位傳奇的推手。
橫看成嶺側成峰， 遠近高低各不同
下面僅已概括性內容介紹，電影最常用的幾種人物鏡頭讓大家做認識，以近幾年的國片來做解說，是致敬也是提醒，這些都是長久以來最熟悉親密卻也是最陌生，屬於我們土地上的故事。
單人鏡頭
顧名思義整個畫面中只有單一人物的鏡頭，這種電影鏡頭可說是主要角色的特權之一。愈多單人鏡頭，愈可以感受到重點描述對象，此鏡頭的優點是注意力較不易分散，能讓觀眾馬上清楚誰是焦點，但使用太多很容易枯燥乏味，過於單調，相信很少有人會願意整場戲看了二三小時，卻只有一個人物在那兒晃動吧！
現今的電影幾乎會和其它不同類型的鏡頭做組合變換，有時大牌演員互演對手戲檔期無法配合時，會有當天A可以前來，B卻不克前往拍攝現場的時侯，拍攝方式其實也是單人鏡頭的運用，有些明明看似二人在對話，但卻用單人近景或特寫的畫面來呈現，這其實是分開拍攝在後製剪接完成的。
▲其實只有單一人物的鏡頭，反而得更花巧思在構圖，以免佈局顯得過得簡單，取自電影《聽說》。
單人全景鏡頭
全景是最接近平常肉眼所觀看出去的景色，在電影中用來表現場景的全貌或人物的全身動作，雖然人物從頭到腳幾乎都包含在畫面內，但絕不是要角色呆呆傻傻的站在那讓人拍，這種全景真正的特色與魅力，其實建立在人物與週遭的空間。
全景會讓觀眾意識到畫面中四季的變幻，是早晨或黃昏，在室內或室外？舉例來說《孤舟蓑笠翁，獨釣寒江雪》，一個披著蓑衣、戴著笠帽的老漁翁，駕著小船，獨自在白雪紛飛的寒江上垂釣。若拍攝畫面用特寫，我們可能只能看到個老漁翁或某個景色的局部畫面，但把鏡頭拉遠點，多帶點環境和整體動作，就看到一個漁翁獨自在皚皚白雪中垂釣，既寫意又杼情。
▲使用全景鏡頭，背景會占據較多的畫面以外，和觀眾的視覺與心理距離也較遙遠，會顯得人物充滿單獨渺小與寂寞感，取自電影《海角七號》。
另外一些特技動作的驚險場面，也愛用全景鏡頭，除了用來表現環境的險惡以外，使用替身也較難被識破，因為拍攝距離愈遠，依稀可以看到肢體動作，但太遠的話，臉孔已經較難辨識了。
人眼焦距固定120度，集中注意力時約為五分之一，即24度，所以我們雖然看的範圍很廣，但卻不見得都「看」進去了，因此全景鏡畫面包含很多細節時，你會發現電影鏡頭的移動速度會很緩慢，例如一些富麗堂皇或壯觀的景色，鏡頭就慢慢的推移，是為了讓觀眾能看的更清楚。
▲這個全景鏡頭強調在於全身的肢體動作展現，但因演員做出常人無法做出的柔軟度，所以明明是全身鏡頭，郤能拍攝成像近景鏡頭一樣貼近，取自電影《翻滾吧！阿信》。
▲這個並非單人全景鏡頭，特別提出來是因為一樣的體操動作，但巧妙運用在不同的時空背景，在劇中就變得荒謬和搞笑，像是穿著西裝在田裡種菜一樣，不同的背景和服裝的組合設計，其實在視覺和認知上是充滿衝突性的，取自電影《翻滾吧！阿信》。
（仔細觀察，就能發現細節！）
單人中景鏡頭
取景範圍指的是腰部或膝蓋上方的鏡頭，但注意拍攝不要正好卡在膝蓋，攝影相當忌裁切在關節處，因為整個影像在收邊處會有被切斷的感覺。若全景適合表現場景，中景則適合表現在事件，因為和全景相比，在視覺上又靠近人物主體，觀眾能更看清楚人物的肢體動作，可清楚明白角色所正在做的事情。
從演員在劇中的穿著與肢體動作，觀眾可以感受到此角色的性格、氣質……等。例如，衣著華麗者自我顯示慾強。其實在一部戲中同個角色隨著戲劇內容的改變時，甚至會有衣著上的變化，穿衣風格的更改，也代表了心態上的轉換。
可以認真觀察自己或他人的照片，不同年紀和時期會酷愛某種穿搭，例如電影《翻滾吧！阿信》主角從一開始身著體操服的運動選手到變成街頭混混的打扮，有時電影不用任何言語，甚至不用浮誇的表情演出，從服裝就開始透露一切了。
▲頭上戴著蛙鏡手上拿著蛙鞋，觀眾可以感受到小朋友在幻想的空間裡游泳，取自電影《囧男孩》。
▲畫面中只有一個小女孩，但若仔細觀察，竹竿掛的衣服和花色可推斷是位老阿嬤所有，背景是早期的建築，觀眾可以隱約感覺到也許這想講述的是祖孫在鄉下間的故事，取自《生命無限公司》。
單人近景鏡頭
取景範圍從胸口或腹部以上拍攝的鏡頭，觀眾可以開始看得相當清楚，演員臉上任何表情，眼神的流轉，此種鏡頭也主要用在人物的表情反應，另外這種畫面的距離，是我們和朋友與熟人對話的距離，所以會在心理形成某種親切感，甚至感同身受。
認真研究東西方不同國家的電影，可以感受到亞洲電影在表情上的反應是較為保守內斂的，喜怒不易形於色，所以莫怪西方電影都把東方人塑造出一堆面無表情的角色，因為在他們眼中，那簡直是神祕到高深莫測（絕對不是因為眼睛比較小）。
不過，沒表情不等於沒感情，有時這甚至是更細膩的表現，例如，憤怒悲哀或憎恨至極點時也會微笑，是皮笑肉不笑，女生不能太露骨地表現自己的好意，所以明明很在意，卻還要假裝冷漠，或明明氣到極點卻要裝出無表情，眼神透露出一股殺意……由此可知，察言觀色是很有學問的技巧。
題外話，雖然面無表情，但很妙的一點是亞洲人在拍照時的手勢特別豐富，國外甚至有網站整理了（Asian Poses）意指亞洲人在拍照時常做的動作，也請一些外國人士來挑戰擺這些POSE拍攝。
▲在迎接最悲傷的死亡時，他們嘴角郤都帶著一抹微笑，這代表是解脫還是滿足，留給觀眾一種無限的想像空間，取自電影《艋舺》。
單人特寫鏡頭
拍攝範圍在人體肩膀以上，臉部的表情，某動作的細節或是重要的物體，功用是讓觀眾能快速發現某個細節。和全景鏡頭比較起來，特寫畫面的時間其實很短，電影利用這些局部畫面，來暗示情感反應，也許是一滴滑落的眼淚，或是慌張的咬指甲。
因此特寫畫面並不侷限在臉部表情上，從肢體動作中往往洩露出的訊息，比表情反應還來得真實，常用在劇情中的關鍵時刻。特寫不能過度濫用，有的特寫畫面根本是肉眼不可能達到的，如果有興趣你把拳頭或一些東西拿到眼前不到3到4公分的距離，會發現太近出現視差，眼睛根本無法聚焦，不管你有沒有近視看起來都是糢糊的。正確來說特寫畫面接近人眼從放大鏡看出去的效果，所以又被稱為「細節鏡頭」。
▲這特寫片段我們看不到主角的臉，但可以從流血的手，感受到他傷的很重，除了強調重點以外，特寫也讓觀眾想像畫面以外的空間，取自電影《詭絲》。
心不在焉，視而不見，聽而不聞，食而不知其味
相信每個人在重覆觀賞同一部喜愛的電影時，都會注意到很多之前沒留意的部份，只是幾個鏡頭距離的變化就可以談怎麼多，並不是要教大家成為像福爾摩斯或名偵探柯南那樣的人物，而是攝影本身是一門「看」的藝術。
你能拍出什麼，取決於你看到了什麼？你能拍出多少深度，就取決於你能看到多少深度？你看了，但你其實不見得都看到。魔鬼就藏在細節裡（Devil in the Details），善於洞察細節，你就會發現突破盲點了。
下回再續繼進階下去，和大家聊聊雙人鏡頭，三人鏡頭……等，與鏡頭距離之間產生的化學反應。
延伸閱讀
【異端思維】從 蜷川實花 的 惡女花魁 找尋 攝影 的觀點鏡頭
鴻雲
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